La película está dirigida por el director catalán Cesc Gay y basada en la obra teatral homónima del actor y dramaturgo Jordi Sánchez, que hace un fugaz y curioso cameo en el film. Fernando Ramallo, actor en boga durante los años noventa a quien ya pudimos ver en películas como La buena vida o Carreteras secundarias, da vida a Dani, un adolescente cuyas dudas tambalearán su estabilidad. Jordi Vilches, que debuta en su primer largometraje después de haber hecho sus pinitos en el circo, encarna a su amigo Nico, un ligón empedernido cuya meta básica durante el verano es perder la virginidad.

Al inicio del film, ambos conocerán a dos jóvenes primas, Berta (Esther Nubiola)  y Elena (Marieta Orozco), con las cuales empezarán a flirtear llevando a cabo un tan divertido como inexperto ritual de seducción. El desarrollo del argumento, dividido en una serie de capítulos que se inician con frases de alguno de los protagonistas y que sirven para enfatizar la importancia y evolución de sus sentimientos en el film, irá mostrando cómo ambos van ganando confianza con las chicas, visiblemente interesadas por ellos. Dani, sin embargo, no mostrará el exultante entusiasmo de Nico.

Rodada en las inmediaciones del Garraf, la película retrata a la perfección el ambiente festivo de un pueblo costero durante el verano, con sus fiestas, su gente y sus irresistibles playas. Este es el escenario donde los amigos, adolescentes, abiertos y sin prejuicios de ningún tipo, descubrirán el sexo en un ambiente trufado de libertad, alcohol, porros y macarrones con tomate calcinados en una sartén.

La profesora particular de Dani, la amargada cocinera -que visita con desgana la casa dos veces al día para alimentar a los muchachos- y el extrovertido y bohemio escritor homosexual amigo de la familia, completan el elenco principal de la película, repleta de distintas vertientes y facetas del noble arte del ligoteo, presente en cada escena del film y que hará las delicias de los amantes de la categoría.

Se nos hacen patentes mil formas de ligar: desde la inexperiencia, desde la timidez, desde el atrevimiento más absoluto, desde la incertidumbre, desde una firme seguridad….y todas tienen cierta eficacia.

Tráiler

Mi nota: 9

anetomarchessi: “El cine produce un inacabable abanico de sensaciones”

Twitter: @anetomarchessi

Ganadora del León de Plata del Festival Internacional de Venecia, Cuentos de la Luna Pálida (1953) es la película más popular de Kenji Mizoguchi. Partiendo de la adaptación libre –pero fiel al espíritu- de dos cuentos fantásticos de Akinari Ueda y de un cuento de Guy de Maupassant, el director japonés puso en imágenes una reflexión moralizante sobre la ambición, la avarícia y la búsqueda de la felicidad en el Japón feudal repleto de guerras del siglo XVI.

La vida armoniosa y pacífica dos parejas de campesinos se ve alterada por los sueños de grandeza y riqueza. Genjûrô (Mayayuki Mori), el protagonista principal, se dejará llevar por la codicia tratando de sacar provecho de la situación bélica que está desolando Japón. Será seducido por una mujer espectral, la princesa Wakasa (Machiko Kyô), que cual mujer fatal, le arrastrará hasta las más profundas tinieblas.

En Cuentos de la Luna Pálida lo sobrenatural y lo real conviven en perfecta armonía  Figuras espectrales que habitan ambientes cotidianos pero que se esconden en las sombras al ritmo de una música fantasmagórica persistente.  El ambiente onírico, presente durante todo el film, se acentúa sobre todo por su atemporalidad. El espectador, suspendido en el tiempo- y en el espacio- se funde en las imágenes penetrantes de esos planos largos, reposados, callados.

Sin duda, la fuerza expresiva y el exotismo  del film consiguen encandilar la mirada occidental, deshabituada a la belleza y lirismo de una puesta en escena que combina la tradición estética japonesa y el arte del instante y, que viene a reivindicar la dimensión más artesanal del cine.

Mi Nota: 9

annacasado: Creo que el cine es un placer para locos, el refugio perfecto de esa cosa tan aburrida a la que, inevitablemente, todos tenemos que hacer frente algún día y a la que llamamos realidad.

Twitter:@anncasado

El film nos radiografía la juventud del momento, los años 70. Nos descubre la sociedad tanto psicológicamente como estéticamente, desde la familia de Tony hasta su grupo de amigos.

Aunque la película haya perdurado hasta nuestros días gracias sobretodo a la banda sonora y los movimientos de cadera de Travolta, que luego profundizaré, somos testigos de muchas otras circunstancias. Excesos, violencia, sexo, drogas y en este caso disco.

Tony Manero es un chico que entre semana trabaja en una tienda de bricolaje con más pena que gloria y que espera a que sea sábado para ir con sus amigos al local que le aporta el reconocimiento que no consigue por otras vías.

En el Odyssey 2001, nombre que hace referencia a la película de Stanley Kubrick, se organiza un concurso de baile y como no Tony participará ya que es lo mejor que sabe hacer y además con brillantez, pero el evento es en parejas y empieza a ensayar con Annette (Dona Pescow) que esta locamente enamorada del joven y haría cualquier cosa para llamar la atención del protagonista. Pero Tony se fija en una chica, Stephanie (Karen Lynn Gorney), por la que sentirá cierta atracción, aunque no sea del todo correspondido y se nos presentan como la noche y el día. Karen Lynn encarna un personaje ya maduro, responsable, con ganas de alzar el vuelo y dejar atrás el Brooklyn donde transcurre gran parte de la acción del film.

Seremos testigos de cómo Tony evoluciona de principio a fin y como lo que le preocupa al principio de la cinta pasa a ser secundario, en parte, gracias, a la ayuda de Stephanie y otros traumáticos acontecimientos.

He desgranado el drama, vayamos pues al baile. Travolta aporta el ritmo necesario que, en harmonía con la música disco de los Bee Gees, entre muchos otros, nos dejará con ganas de más. Y  aquí dejo a Tony Manero en acción:

Tony Manero marcó a una generación y una estética que ha perdurado hasta nuestros días y que como no, lo encontrareis dentro de nuestro Top de bailes. A Travolta lo volveríamos a ver bailando como solo él sabe en Grease y en Pulp Fiction con Emma Thurman.

Mi Nota: 7

Dani Granado: “Soy de ver sagas los días de lluvia, mejorándolos y divirtiéndome como un enano. Esto es solo el inicio, el final espero que sea cuando me compre Disney.”

Twitter: @danigrade

Juno (2007) habla sobre una adolescente de dieciséis años que vive en Minnesota y que se queda embarazada de su compañero de clase Bleeker. Juno lo primero que piensa es en abortar, pero después lo descarta y decide seguir adelante asumiendo el embarazo y buscando una pareja que quiera adoptar a su futuro bebé.  Juno y Bleeker son personajes muy peculiares y también muy cuidados por su guionista, Juno va siempre a su rollo,  es  madura por fuera pero débil por dentro, irónica y con cierta “sabiduría alternativa” que da, a veces, un poco de rabia, además vive rodeada de chicas superficiales que se dedican a hacer lo posible para ser populares. Bleeker está en el equipo de atletismo de la universidad pero no es para nada el típico cachas popular, es más bien lo contrario, pero al fin y al cabo es un tipo encantador y muy enamorado de Juno, aunque a veces resulta un poco soso.

Lo que encuentro realmente mágico de esta película es como su director Jason Reitman y su guionista Diablo Cody han sido capaces de enseñarnos la historia de un embarazo no deseado a los 16 años y aun así, hacerlo de tal forma que nos podamos reír. Cierto que Juno tiene momentos dramáticos, es lógico ya que no se puede ni se debe banalizar un tema tan importante como el embarazo, pero tiene a la vez una frescura y una ironía que la hace única. No en vano ganó el Oscar al mejor guión original y estuvo nominada a mejor película, mejor director y mejor actriz.

Considero que, a parte de la interpretación de los personajes, lo más destacado de esta película es su guión. Está lleno de frases memorables y consigue dar otro punto de vista muy distinto del de otros dramas americanos sobre adolescentes embarazadas. Lo hace con mucha naturalidad y con un humor que consigue que uno termine amando a Juno y su forma de ser, además ella es el personaje que más evoluciona en toda la película y ese recorrido va conquistando poco a poco a cualquiera.

No es la típica película americana sobre niñas embarazadas, no esperéis encontraros una profundización enorme sobre los temas más escabrosos del embarazo, pero si es una bonita comedia que nos muestra como madura una chica de dieciséis años en tan solo nueve meses.

Mi nota: 7,5

amyloes: Soy una chica normal, del montón, pero con cierta obsesión por las películas tarantinescas. Sí, no lo puedo remediar. A lo mejor dentro de mi se esconde cierto aspecto gore pero bueno, eso ya lo resolveré yo misma

Twitter:@amyloes8

Hay decisiones que cambian vidas enteras. En esa premisa se basa Las Vidas Posibles de Mr. Nobody, pero no la convierte directamente en su pilar central. Para ese papel cambia a la otra cara de la moneda: ¿qué pasaría si las decisiones dejaran de importar? Bienvenidos al jueves de películas para pensar. ¿No queríais leche? Pues tomad dos tazas.

Nemo en la estación de tren. ¿La pastilla azul o la roja?

Volviendo a la estación, Nemo Nobody (Jared Leto en su versión adulta) es un niño que se encuentra en esos mismos instantes con el difícil deber de tomar una de esas decisiones que cambian la vida de uno para siempre. ¿Sube al tren en el que su madre se marchará para siempre, o se queda con su padre en tierra, viéndola partir? Como si de un niño incapaz de afrontar ese terrible dilema se tratara, la película nos muestra tres vidas diferentes de Nemo que derivan de ese momento. Son tres vidas en las que el protagonista es la misma persona, esencialmente, pero marcado por una decisión de muchos años atrás y, en consecuencia, habiéndose convertido en alguien muy diferente al comparar las tres vidas entre ellas. Esto en sí ya daría para la película. Pero no es todo, ni mucho menos.

Tres vidas. Una chica para cada vida.

Las Vidas Posibles de Mr. Nobody no sólo es el relato de la consecución de tres vidas paralelas. El encanto de la película, y también su talón de Aquiles, es que lo lleva todo más allá. El director nos muestra también un futuro lejano, con una humanidad inmortal, y con la última persona mortal del planeta a punto de sucumbir a la fatalidad. Se trata de Nemo Nobody, de 118 años. Y al ser entrevistado por los médicos y periodistas acerca de su vida, los detalles que va relatando distan de coincidir. Tres vidas colindantes  que no pueden en ningún caso haber sucedido a la vez. Sólo se puede entender gracias a la explicación del inicio de la película, que nos habla de ángeles que borran los recuerdos de su futuro a los niños que van a nacer: Nemo es único en el universo, en tanto que es capaz de recordar.

Jared Leto. 118 años bien llevados.

Mr. Nobody se encarga de combinar múltiples (demasiadas) teorías de física cuántica en un gran pastel dramático no-lineal que asombra y confunde a partes iguales. No obstante, si algo es seguro es que se trata de una experiencia recomendable para todo aquel que disfrute del cine como conductor audiovisual en su estado más puro, tomando como ejemplo a 2001: Una Odisea Espacial. Se trata, en definitiva, de la película perfecta para ejercitar el pensamiento como aquel que ejercita su físico, puesto que toma la sutileza de la ciencia ficción más liviana (Gattaca, la misma 2001: Una Odisea Espacial) y la convierte en un gran drama romántico y existencial, capaz de quedársenos impreso en la memoria.

Aunque, en mi opinión personal, mucho más hubiera sido si, en lugar de abrir tantísimos frentes como abre, se hubiera focalizado más en aquellos más importantes y determinantes. 

Mi nota: 8

fareang: “En el cine me llevo decepciones a la par que alegrías, y quizás en las películas que uno menos esperaría. Pero como dicen, para gustos los colores, y mientras todos coincidamos en que las obras maestras son obras maestras, tendremos derecho a que nos gusten películas como Crepúsculo. Bueno, no, esa no.”

A Todd le gusta el rock, el pop, el glam. A Todd le entusiasma los mitos. A Todd le encanta verse como  un transgresor. Todd hace películas y Todd fusiona todo esto en su filmografía. Desde que el 1987 dirigiese el cortometraje Superstar: The Karen Carpenter Story en el que se narra la vida de la cantante Karen Carpenter, utilizando Barbies en lugar de actores, Todd Haynes ha seguido una carrera en la que transgresión y mitos de la historia de la música han sido temas recurrentes, como en el caso de Velvet Goldmine (1998) donde Bowie es el principal protagonista acompañado por otras figuras como Iggy Pop, Lou Reed y Mick Jagger.

En I’m Not There Haynes la ‘víctima’ de la disección de Haynes es Bob Dylan y de hecho, una de las primeras escenas es, precisamente, la autopsia del mito norteamericano: esta película es un estudio de la vida de Dylan. Y para abordar este reto Haynes adopta una estructura no lineal, post-Citizen Kane, de manera que la película adquiere las características de un collage, a través de seis microrrelatos que se combinan. Cada relato está protagonizado por un actor diferente que a su vez retrata algun aspecto de la vida de Bob Dylan. El casting es, simplemente de lujo: Marcus Carl Franklin, Ben Whishaw, Heath Ledger, Christian Bale, Richard Gere y Cate Blanchett son los encargados de dar vida a Dylan (además de contar con unos secundarios de la talla de Julianne Moore y Charlotte Gainsbourg). Y ya te lo dice el título: ‘I’m not there’, no esperes ver a Bob Dylan –ni siquiera oír su nombre– por ninguna parte.

La película se ha etiquetado de ‘hipnótica, irregular, melancólica, psicodélica, ingeniosa, soprendente, generosa, bohemia, vanguardista…’ y si bien a primera vista puede parecer un puzzle narrativo, el resultado es un film en el que se consiguen mostrar las diferentes caras de un mismo personaje a través de una estética personalísima y muy atractiva. Esto queda de manifiesto a simple vista ya que dentro de la misma película se pueden identificar géneros cinematográficos que van del western (trama de Billy The Kid) al falso documental (trama de Jack Rollins). Pero la guinda del pastel de I’m Not There es su banda sonora, las canciones de Bob Dylan. La música es lo que une los relatos, lo que cohesiona el film.

I’m Not There es una de esas películas que suelen pasar desapercibidas y de las que se puede disfrutar verdaderamente, en una cena de amigos, que para eso la recomiendo. Los que conocen la vida de Dylan encontrarán guiños por todas partes y sin duda pensarán que es una muy buena película; los que no sepan de la vida del cantante quizás se pierden pero al menos (o eso creo yo) despertará interés en saber más sobre este icono del siglo XX.

BONUS: Para los interesados en Bob Dylan recomiendo No direction Home, un documental de Martin Scorsesse en el que se trata la vida del cantante y el impacto de su música en la cultura del siglo XX.

sergialvarrio: ”Tarkovski fue una revelación, Kielowski otra y El árbol de la vida otra. Pero el cine bien hecho y que tiene algo intersante que contar en general me gusta. Y aunque el poder aprender sobre cine me ha enseñado a valorar más unos aspectos antes que otros, no me avergüenzo al decir que me lo paso bien viendo pelis rollo Batman y Star Wars“

Twitter:@SergiAlvarez

En este lugar descubre un mundo paralelo donde la leyenda cuenta que viven los “Deros”, unos seres que se encuentran en el centro de las grandes ciudades y donde halla a una chica desnuda y encadenada (Tomomi Miyashita). Masuoka la “rescata”, se la lleva a su apartamento e intenta entender su verdadera procedencia.

La chica no habla y no parece responder a ningún estímulo, solamente a la sangre que necesita consumir para sobrevivir. Esto unido a la inexpresividad de Masuoka, envuelve al film con un tono extremadamente perturbador.

Como decía, la película no es una película de terror convencional, debido a constantes cambios de perspectiva, la utilización de vídeo digital y la extraña realidad en la que conviven. Todo esto convierte la historia en un estudio psicológico de un personaje perturbado que no puede interactuar con otras personas y que busca el terror para conseguir sentir algo.

Como el protagonista es cámara de profesión, la película utiliza muy a menudo el punto de vista de su propia cámara -a la que nunca se le agota la batería- y continuamente van acompañados por monólogos internos del personaje principal, casi únicos diálogos de toda la producción.

Visualmente es muy característica. La utilización del vídeo digital y el uso continuo de iluminación natural se combinan de manera adocenada para exteriorizar el estado mental del protagonista.

A medida que avanza la historia hace cuestionarnos que es lo que le motiva realmente, e incluso tenemos que replantearnos todo lo que hemos visto hasta entonces siendo nosotros mismos los que tenemos que intentar dar una explicación a lo que está sucediendo.

Seres extraños es una película de terror diferente, no esperéis sustos sino retorceros mentalmente con el horror que envuelve a la película. Además está formada por interpretaciones en las que se apoya todo el valor narrativo, sin los dos protagonistas el film se convertiría en uno más del montón de la Serie B. 

Mi nota: 7

Parraone:  Gracias al cine he visto cosas que vosotros no creeríais. He sobrevivido a las transformaciones de los Power Rangers, a Jar Jar Binks, a los dinosaurios de Jurassic Park y a las películas de Nicolas Cage. Todo ello sin levantarme del sofá.   

Twitter:@parraone

Miike ha hecho un film claramente postmoderno en el que se mezclan estilos y periodos temporales. Si el spaghetti western original quiere recrear el western de Hollywood en Europa y su argumento se pretende en serio aunque en la práctica se llegue a una estilización, una caricatura, unas mayores dosis de violencia y sadismo y un uso de arquetipos, en Sukiyaki Western Django ya estamos en el terreno de la parodia y la cita. Véase ese prólogo donde Quentin Tarantino encarna a un pistolero con vestimenta similar no a la de Django sino a la del Hombre Sin Nombre y que se enfrenta a pistoleros rivales de inevitables ojos rasgados en un paisaje que remite tanto a un desierto de Arizona o Nuevo México como al Fujiyama. Una vez concluida la lucha – que , por supuesto, gana él- se come un sukiyaki. Todo ello contado con barroquismo, tono delirante y colores chillones , cercanos al chafarrinón.

Pero hay más, la elección de Tarantino no sólo es el gancho del prólogo sino que volveremos a verle aparecer como personaje secundario aunque muy envejecido, exactamente como aparecen más de una vez algunos de sus actores invitados en sus films. Y es que Miike imita algunos de sus estilemas, su forma de filmar y de ver las cosas aunque hay que reconocer que Tarantino ha robado/ reciclado/ imitado a todo el mundo. Por otro lado, considerando que Sukiyaki Western Django es del año 2007 se entiende mucho mejor que Tarantino haya hecho a posteriori Django desencadenado. No, no es que el americano haya fusilado el guión de Masaru Nakamura y del propio Miike sino que usa y se remite a las mismas fuentes. Pero los japoneses lo hicieron primero.

Como decíamos éste es un remake japonés de Django (de hecho, finaliza con la canción de Louis Bacalov y Franco Migliacci en japonés) en el que por no faltar no falta ni el ataúd con ametralladora Gatling. Pero el desarrollo de la historia, con ese pistolero errante que llega a un pueblo donde hay dos clanes enfrentados, remite también a Por un puñado de dólares ( Sergio Leone, 1964) y Yojimbo (Akira Kurosawa, 1961) , a dos episodios históricos de enfrentamiento civil como la Guerra de las Dos Rosas inglesa y la Guerra Genpei entre los clanes Minamoto (los Genji/ blanco) y Taira (los Heike/ rojos) en Japón, a Shakespeare, citado expresamente en el film Y por supuesto al spaghetti western en general

Sukiyaki Western Django remite finalmente al propio estilo de Miike: barroco, bronco, delirante, con momentos de sadismo y violencia ( aunque menos que de costumbre). El film tiene tanto de rareza y extravagancia como que forma parte a la vez del mainstream actual. Es una cinta de cinefilia gamberra pero totalmente aceptada en aras de cierta modernidad. No es imprescindible ni una obra maestra pero puede ser visto como una curiosidad, como ejemplo de fascinación cultural y como una obra de no se refiere a la realidad sino a otros films , una suerte de cita de citas. Pero ojo, no pensemos que es un film hecho por autores muy libres, carentes de prejuicios y que consideran que todo vale. Se trata de una obra muy regida por un determinado canon cinéfilo que ha pasado de alternativo a tener prestigio y ocupar una centralidad.

Mi nota: 8

Quim Puig:

“The notorious boy of the wild/ adopted by wolves when he was a child/ That’s why God, that’s why God, that’s why God made the movies” ( Paul Simon, 1980)

Twitter:

Acción a raudales con un Arnold Schwarzenegger en su mejor momento (sí, creo que existe ese momento); un argumento entretenido y con cierta miga; una buena banda sonora a cargo de Jerry Goldsmith y unos efectos especiales impresionantes para la época. Para los que no la conozcan, os presento Desafío Total (1990) de Paul Verhoeven (Starship Troopers, El Libro Negro).

La historia está basada en un relato corto de Phillip K. Dick -otras adaptaciones cinematográficas de obras suyas incluyen las famosas Blade Runner (1982) y Minority Report (2002). Cuenta las aventuras de Douglas Quaid en un mundo distópico de estética cyberpunk. El protagonista, interpretado por el voluminoso Schwarzenegger, después de tener sueños recurrentes con Marte, acude a una empresa de implantación de recuerdos. Pero el procedimiento traerá a la luz recuerdos escondidos de Quaid, desencadenando persecuciones y tiroteos por doquier.

De repente el protagonista se verá envuelto en un todo un enfrentamiento entre los malos y los buenos para el que no parece dar la talla, puesto que anda más perdido que el espectador incluso. Los giros inesperados y quebraderos de cabeza están servidos en una cinta de acción, que aun prescindiendo de toda pretensión, se complica un poco al estar llena de lavados de cerebro y vueltas de tuerca.

Desafío total se merece totalmente, según mi opinión, su estatus de cinta de culto dentro del mundo de la ciencia ficción. Ha regalado un seguido de escenas (como la de la máscara que se puede observar en la imagen superior), frases y personajes memorables al imaginario colectivo que todavía hoy impactan a muchos.

También destaca un cierto humor chabacano, escenarios bastante conseguidos y un plantel de actores muy acertados; tales como una joven y poco conocida Sharon Stone en el papel de la mujer de Quaid, el malo por antonomasia Michael Ironside como esbirro y Arnold Schwarzenegger en pleno apogeo, consiguiendo más de dos expresiones distintas.

Tampoco busca trascender ni tocar temas profundos, pero cumple el cometido de entretener y maravillar con su tremendo ritmo y efectos especiales (por los que ganó un Oscar).

Mi nota: 7

Lucía: “Yo por una película dejaría a un hombre, pero por un hombre nunca dejaría una película.”

Twitter: @LCarmona137

El género del mockumentary se alimenta de esto, normalmente se trata de un documental fingido, una supuesta realidad. Pero en el caso que nos ocupa esto es muy diferente, nos encontramos ante retazos de ficción y trozos enteros de realidad.

Borat Sagdiyev es un supuesto reportero de la televisión de Kazajstán. Su misión: retratar EEUU para su país, ver cómo viven los americanos. También supuestamente, porque al avanzar su viaje Borat se plantea un objetivo propio y personal: Conseguir a Pamela Anderson como esposa.

Tan alocada misión le llevará por distintos lugares de los gloriosos, racistas, homófobos, radicales y capitalistas Estados Unidos.

Borat: Lecciones Culturales de América para la Gloriosa Nación de Kazajstán (Título Original) es una película que al principio choca con el espectador, y mucho.

La irreverencia empieza desde el segundo número 5, porque no tiene contemplaciones con nadie: los kazajos son tildados de incestuosos, racistas y atrasados, tanto o más que los americanos cuando el film avanza. En el pueblo tienen de todo: el violador del pueblo, la prostituta del pueblo, el mecánico y abortista… toda una galería.

Con Kazajstán y su encierro al judío finalizan con la hiperbólica ficción. Entonces es cuando la realidad topa de bruces con nosotros, porque se utilizaron testimonios reales con la “excusa” de que eran una televisión de Kazajstán.

Desde una iglesia, un club de buenos modales, un rodeo, una caravana de estudiantes o un profesor de autoescuela, Larry Charles y Cohen consiguen sacar la peor cara de la Nación más poderosa, dejando muy claro de qué pie calzan en realidad en el país líder (por ahora) del primer mundo.

Borat no es una película fácil de ver. Al fin y al cabo cuesta entrar en su juego, hasta que entiendes que todo aquello no es simulado, si no forzado a partir de la realidad. Su humor es zafio, burdo y grotesco, pero consigue lo que quiere: que la gente que sale retratada diga lo que realmente piensa.

Charles y Cohen no dejan títere con cabeza: Ni kazajos ni americanos salen bien parados de todo esto. Lo cierto es que tras ver la película puede que tengas los ojos con la lagrimilla del reír (si es que entras en el juego) pero a posteriori deja cierta sensación amarga, lo que hace que te preguntes: ¿Es esto que acabo de ver real? ¿Refleja lo que pensamos la “sociedad del primer mundo” de los demás?

Porque no hay nada que nos haga desconfiar de los demás por el simple hecho de que sean de un país y cultura diferente, y ver reflejado esto, no siempre es fácil.

Nota: 8

PauLluis: “Una película son 24 mentiras por segundo al servicio de la realidad”

Twitter: @p_lluis